이탈리아, 프랑스, 영국 영화의 역사, 흐름

1.이탈리아

 

제2차 세계 대전은 소련, 일본, 그리고 대부분의 유럽 국가들의 영화 산업을 물리적으로 그리고 경제적으로 황폐화시켰다. 그러나 이탈리아의 초기 항복은 시설들을 비교적 온전하게 남겨 두었고, 이탈리아 영화계는 제2차 세계 대전 이후 네오리얼리즘 운동의 발전과 함께 영화 르네상스를 이끌 수 있었다. 비록 그것이 소련의 표현적 현실주의와 프랑스의 시적 현실주의에 뿌리를 두고 있었지만, 네오리얼리즘은 정치적 격변과 전쟁으로 정신적 충격을 받은 국가의 일상적인 현실을 주제로 삼으면서 분명히 국가적 초점을 맞췄다.

라드리 디시클렛 (자전거 도둑)

라드리 디시클렛 (자전거 도둑)

신자유주의 운동의 주요 인물들은 대부분 무솔리니의 센트로 스페리멘탈에서 공부했지만, 그들은 일상 생활의 마르크스주의적 미학을 선호하여 텔레포노 비앙코 영화와 관련된 무대적이고 인위적인 스타일을 강하게 거부했다. 네오리얼리즘 영화로는 최초로 확인된 루치노 비스콘티의 오세션(1942; Osessione)이 있는데, 이 영화는 페라라 주변의 시골 지역에서 촬영된 암울한 현대 멜로 드라마이다. 그러나 이 운동은 파시스트 검열관들에 의해 탄압되었고, 그리하여 로베르토 로셀리니의 로마, 치타아페타 (1945; 오픈 시티)를 통해 국제적인 청중들이 처음으로 이 운동을 소개하게 되었다. 이 영화에는 전문 배우와 비전문 배우가 모두 출연했으며, 현대 사건에 휘말린 일반인에 초점을 맞췄다. 그것의 기록적 질감, 녹음된 사운드 트랙, 그리고 즉흥적인 질은 네오리얼리즘 운동의 특징이 되었다. 로셀리니는 그의 "전쟁 3부작"을 완성하기 위해 파이사 (1946; 파이산)와 게르마니아 (1947; 독일, 제로)와 함께 그것을 따랐다. 네오리얼리즘에 대한 비스콘티의 두 번째 공헌은 시칠리아의 한 어촌에서 촬영된 농민 생활의 서사시 라테레마(1948; The Earth Trubles)였다. 여러 면에서 오시세티우스보다 운동의 모범이며, 걸작으로 널리 평가받고 있다. 네오리얼리즘의 세 번째 주요 감독은 비토리오 데 시카로, 그는 이 운동의 주요 이론가이자 대변인인 각본가 체사레 자바티니와 긴밀히 협력했다. 데 시카의 영화들은 때때로 감상적인 경향이 있지만, 스키우시아 (1946년; 슈샤인), 라드리 디비시클레 (1948년; 자전거 도둑), 움베르토 D. (1952년)에서 그는 이 운동의 중심적인 작품들을 제작했다.

네오리얼리즘은 전후 할리우드의 서사적 관습과 스튜디오 제작 기법을 거부한 최초의 영화였으며, 영국 사회 리얼리즘, 브라질 시네마 노보, 프랑스와 체코의 뉴웨이브와 같은 미래 운동에 막대한 영향을 미쳤다. 그것은 또한 나중에 영화 산업에서 표준이 된 자연 조명과 사후 동기화 사운드를 사용하여 로케이션에서 촬영하는 관행을 예고했다. 그 영향에도 불구하고, 1950년대에 네오리얼리즘은 마셜 플랜이 유럽에서 "경제적 기적"을 작동하기 시작하면서 사회경제적 맥락과 함께 뚜렷한 국가 운동으로 사라졌다. 그럼에도 불구하고 이탈리아 영화는 네오리얼리스트로 경력을 시작하여 1960년대와 70년대 동안 주요 작품을 제작한 여러 재능 있는 감독들의 영화를 통해 두각을 나타냈다.

 

 

2.프랑스

 

 

점령과 전후 시대의 프랑스 영화들은 많은 훌륭한 영화들을 제작했다. (마르셀 카르네의 Les Enfant du paradis [낙원의 아이들], 1945년, 장 콕토의 La Belle et la bete [미녀와 야수], 1946년, 르네 클레멘트의 쥬스 인터티츠 [금지된 게임], 1952년, 1952년, 1952년, 1952년, 1952년, 1952년, 1952년 베커의 카스케 드 살로지의 황금 헬멧.([공포의 임금, 1953]) 그러나 그들의 표현 방식은 대본에 크게 의존했고 주로 문학적이었다. 로베르 브레송의 엄격한 고전주의에는 예외들이 있었고, 1950년, 자크 타티의 부조리한 코미디 영화인, 운 콘담네아 모르트의 에스테카페[탈출한 남자], 1956년. 훌로 [훌로 씨의 휴일], 1953; Moncle [My Uncle], 1958), 그리고 라 론드(1950), 르 플레이시르(1952), 마담 드…(1953), 롤라 몽테스(1955)가 영화에 중요한 기여를 한 독일 이민자 막스 오펄스의 무성하고 장엄한 걸작들이다. 조르주 루키에의 파레비크 (1948), 조르주 프랑주의 르 상 데 베테스 (1949; 야수의 피), 알랭 레스네의 뉘엣 브루야르 (1956; 밤과 안개)와 같은 획기적인 논픽션 영화를 제작한 독립 다큐멘터리 운동도 이때 나타났다. 그것은 전통적인 산업 체계 밖의 젊은 감독들에게 훈련의 장을 제공했고, 프랑스 전후 갱신 기간인 뉴 웨이브(New Wave)에 절정에 이른 운동의 독립적인 제작 스타일에 영향을 미쳤다.

새로운 물결의 가장 중요한 원천은 알렉산드르 아스트루크의 이론적인 저술에 있었고, 그의 생각은 영화 제작자, 비평가, 학자들의 전 세대를 형성했다. 1948년, 아스트루크는 카메라 스타일로의 개념을 공식화했는데, 이 개념에서 영화는 시청각 언어의 한 형태로 간주되었고, 따라서 영화 제작자는 빛에 비친 일종의 작가로 간주되었다. 1951년에 창간된 바진의 영향력 있는 저널 카히에르 뒤 시네마는 이 개념을 상세히 설명했고, 비평가 프랑수아 트뤼포, 장뤼크 고다르, 클로드 샤브롤, 자크 리벳, 에릭 로머 등 젊은 영화 애호가들의 본부가 되었다. 바진의 기본 원칙은 몽타주 미학(과격한 아이젠슈타인식 컷팅과 할리우드 스타일의 연속성 또는 보이지 않는 편집)에 대한 거부였다. 극장에서 빌린 이 용어는 문자 그대로 "장면에서의 배치"를 의미하지만, 바진은 카메라 배치와 움직임, 촬영의 조명, 그리고 액션의 차단과 같은 필름 구조의 요소, 즉 편집 과정에 앞선 모든 것을 지정하기 위해 그것을 사용했다.

뉴 웨이브의 첫 번째 영화는 1956-57년 카이에스 비평가들에 의해 독립적으로 16mm로 촬영된 드라마틱한 단편영화였지만, 1959년은 뉴 웨이브의 주요 인물들이 각각 첫 번째 특징을 만든 국제적인 주목을 받은 해였다. 트뤼포의 레스 콰트르 센트 쿱스 (400번 불기), 레스네이스의 히로시마, 모노무어, 고다르의 about de souffle (숨이 없는)은 모두 타원형 편집과 핸드헬드 카메라 로케이션 촬영을 기반으로 한 신선한 새로운 스타일의 패러다임이었다. 이 스타일은 고전적인 헐리우드의 연속성을 근본적으로 파괴하는 것이었고 뉴 웨이브가 빠르고 저렴하게 영화를 제작해야 하는 필요성에 실용적으로 적합했다. 이것의 궁극적인 효과는 지난 60년 동안 진화해 온 서술적 언어를 해체하고 반사적인 영화, 즉 메타시네마를 만드는 것이었는데, 그 기술은 그 자체 제작에 대한 지속적인 의견을 제공했다

첫 번째 뉴 웨이브 특장점의 비판적이고 상업적인 성공은 프랑스 산업 내에서 전례 없는 창조적 폭발을 낳았다. 1960년에서 1964년 사이에 수백 편의 저예산 스타일 실험 영화들이 경험이 거의 없거나 아예 없는 영화들에 의해 만들어졌다. 이 중 많은 것들이 실패로 끝났고, 집단적인 현상으로서의 뉴 웨이브는 1965년에 끝났다. 그러나 샤브롤, 리벳, 로메르, 루이 말레, 아그네스 바르다, 자크 데미 등 세련되고 재능 있는 영화 제작자들이 1970년대까지 프랑스 영화를 지배했고, 몇 명은 다음 세기에도 중요한 기여를 계속했다.

프랑수아 트뤼포는 최초의 뉴웨이브 그룹 중 가장 상업적으로 성공했으며, 쥘리에트 짐(1961)과 레 콰트르 센트 쿱스(Les Quatre Cents Coups)에서 시작된 자전적 《앙투안 도이넬(Antoine Doinel)》 시리즈와 같은 영화를 통해 낭만적인 아이러니스트로서 명성을 얻었다. 트뤼포의 범위는 할리우드 장르의 패러디 (티레즈 설 피아니스트 [Shoot the Piano Player], 1960), 히치콕 (La Marieétaitennuir [검은색 옷을 입은 신부], 1967), 역사적 재구성 (L'Enfant suvage [야생 어린이]), 1970), 반사적 내러티브 서사 (La Nuitric Day for Night), 1973 등으로 확장되었다.《아델 H. 역사》, 《아델 H.》, 1975, 《라스트 메트로》, 1980년.

장뤼크 고다르는 초기 뉴웨이브 감독들 중 가장 스타일리시하고 정치적으로 급진적이었다. 그의 초기 영화들 중 일부는 할리우드 장르의 패러디였다(Une Femmeestune Femme [A Woman Is a Woman], 1961; Alphaville, 1965; Pierrotle fou, 1965). 그러나 그들 대부분은 마르크스주의자의 정치적, 사회적 주제를 다루었다(Le Petit Soldat [Little Soldat], 1960; C.아라비니어스 [더 라이플맨], 1963; 반데아 파트 [밴드 오브 아웃사이더], 1964; 우네 펨메마리예 [유부녀], 1964. 고다르는 1966년 말메랄딘 페미닌과 함께 서사에서 영화 베리테 스타일의 에세이로 바뀌었고, 그의 후기 영화들은 점점 더 이념적이고 구조적으로 무작위적이 되었다(Made in U.S.A., 1966; Deuxoutruischesque je saidelle [그녀에 대해 내가 아는 두세 가지, 1967; La Chino, 1967; 주말, 1967; One-Plus for One-One)악마, 1968). 1970년대에 고다르는 급진적인 드지가 베르토프 제작 집단(프라브다, 1969년, 르 벤트데스트, 1969년, 제인에게 보내는 편지, 1972년)을 위해 영화를 제작했고 영화와 비디오테이프의 조합(누메로데오, 1975년, 라커뮤니케이션, 1976년. 1980년대에 고다르는 이데올로기를 정제했지만 그에 못지 않게 논쟁의 대상이 된 영화 제작으로 돌아왔다.

 

 

3. 영국

 

 

영국에서 제2차 세계 대전 이후의 영화는 프랑스보다 훨씬 더 문학적이었고, 로렌스 올리비에 (헨리 5세, 1944년; 햄릿, 1948년; 리처드 3세, 1955년), 데이비드 린 (위대한 기대, 1946년; 올리버 트위스트, 1948년), 앤서니 아스퀴스와 같은 감독들의 작품에 크게 의존했다. 심지어 덜 관습적인 영화들도 문학적인 원천을 가지고 있었다. (캐롤 리드의 섬의 왕따, 1951년), 마이클 파월과 에머릭 프레스버거의 "붉은 구두" (1948년), 그리고 "호프만의 이야기" (1951년) 마이클 발코니의 일링 스튜디오(Kind Hearts and Coronets, 1949)를 위해 만들어진 재치 있고 불손한 코미디 시리즈에는 이러한 경향에 대한 예외가 있었다. 라벤더 힐 몹, 1951; The Man in the White Suit, 1951)은 대부분 알렉 기네스가 출연했지만, 전반적으로 영국의 전후 영화는 엘리트주의적이고 문화적으로 보수적이었다.

이에 대응하여 린제이 앤더슨, 카렐 레이즈, 토니 리처드슨이 이끄는 젊은 영화 제작자들은 1950년대 중반에 자유 시네마 운동을 조직했다. 그 목적은 현대 생활의 문제를 조명하는 짧은 저예산 다큐멘터리를 제작하는 것이었다(Anderson's O Dreamland, 1953; Richardson's Moma Don't Allow, 1955) 네오리얼리즘의 이데올로기와 실천에 기반을 둔 프리시네마는 영국의 계급구조를 공격하고 부르주아적 엘리트주의를 자유주의 노동계급 가치로 대체할 것을 요구하는 더 큰 사회운동과 동시에 등장했다. 영화에서는 이러한 반체제적 동요가 레이즈의 새터데이 나이트와 선데이 모닝(1960년)에 의해 예고된 운동인 뉴 시네마 또는 사회 현실주의로 이어졌다. 뉴 웨이브의 영향을 받은 사회 현실주의 영화는 일반적으로 산업 중부 지역에서 흑백으로 촬영되었고 알려지지 않은 젊은 배우들과 캐스팅되었다. 뉴웨이브 영화와 마찬가지로 사회 현실주의 영화들은 저예산(그 중 많은 영화들은 1958년 리처드슨과 극작가 존 오스본이 설립한 우드폴 필름 프로덕션을 위해 제작되었다)으로 독립적으로 제작되었지만, 그 내용과 형식의 신선함은 인터로 하여금 관심을 끌게 했다.전국 관객 가장 유명한 작품으로는 리처드슨의 '꿀의 맛'(1961년)과 '장거리 달리기 선수의 외로움'(1962년), 존 슐레징거의 '사랑의 종류'(1962년)와 빌리 라이어(1963년), 앤더슨의 '스포츠 라이프'(1963년), 레이즈의 '모건: 치료에 적합한 사례'(1966년) 등이 있다.

이 영화들과 그들과 같은 다른 영화들은 영국 영화 산업에 명성을 가져다주었고 런던은 잠시 동안 서양 세계의 생산 수도가 되었고 리차드슨의 톰 존스 (1963), 슐레징거의 달링 (1965), 리처드 레스터의 두 비틀즈 영화, A Hard Day's Night (1964), 그리고 Help! (1965), 슐레와 같은 자생적인 국제적인 히트작을 전달했습니다.로만 폴란스키의 배척(1965)과 컬데삭(1966), 안토니오의 화씨 451(1966)과 미국의 스탠리 큐브릭의 2001년 A 스페이스와 오렌지 작품(1971)과 같은 해외 수입품들뿐만 아니라 앤더슨의 이프…(1968), 그리고 로만 폴란스키의 배척(1965)과 컬데삭(1966). 이 활동은 피터 예이츠, 존 부먼, 켄 러셀, 니콜라스 뢰그, 리들리 스콧과 같은 새로운 영국 영화 제작자들에게 영감을 주었다. 많은 영국 감독과 배우들이 헐리우드로 망명하는 한편, 영어권 영화 시장은 호주로부터 활기차고 전례 없는 도전을 동시에 경험했다. 1980년대, 영화 산업의 붕괴에 대한 광범위한 추측 속에, 영국의 연간 생산량은 사상 최저치를 기록했다.

그러나 영국의 영화 산업은 긴 위기 기간으로부터 반등하는 역사를 가지고 있다. 20세기 후반 영국 영화가 부흥한 주요 요인은 1982년 오리지널 영화 제작보다는 커미셔닝에 전념하는 텔레비전 네트워크인 채널 4의 설립이었다. 그것의 성공은 1998년 자회사인 FilmFour Ltd.의 설립으로 이어졌다. 채널 4나 영화 4의 배너로 제작되거나 공동 제작되는 국제적으로 인정받는 영화로는 《뷰가 있는 방》(1986), 《크링 게임》(1992), 《포 웨딩과 장례식》(1994), 《트레인스포팅》(1996), 《비밀과 거짓말》(1996), 《풀 몬티》(1997), 《웰컴 투 사라예보》(1997) 등이 있다. 또한 영국 영화의 부활에 기여한 것은 1994년 설립된 후 매년 수백만 파운드를 영화 산업에 기부한 내셔널 로또였다.

이 영화들과 그들과 같은 다른 영화들은 영국 영화 산업에 명성을 가져다주었고 런던은 잠시 동안 서양 세계의 생산 수도가 되었고 리차드슨의 톰 존스 (1963), 슐레징거의 달링 (1965), 리처드 레스터의 두 비틀즈 영화, A Hard Day's Night (1964), 그리고 Help! (1965), 슐레와 같은 자생적인 국제적인 히트작을 전달했습니다.로만 폴란스키의 배척(1965)과 컬데삭(1966), 안토니오의 화씨 451(1966)과 미국의 스탠리 큐브릭의 2001년 A 스페이스와 오렌지 작품(1971)과 같은 해외 수입품들뿐만 아니라 앤더슨의 이프…(1968), 그리고 로만 폴란스키의 배척(1965)과 컬데삭(1966). 이 활동은 피터 예이츠, 존 부먼, 켄 러셀, 니콜라스 뢰그, 리들리 스콧과 같은 새로운 영국 영화 제작자들에게 영감을 주었다. 많은 영국 감독과 배우들이 헐리우드로 망명하는 한편, 영어권 영화 시장은 호주로부터 활기차고 전례 없는 도전을 동시에 경험했다. 1980년대, 영화 산업의 붕괴에 대한 광범위한 추측 속에, 영국의 연간 생산량은 사상 최저치를 기록했다.